8 films d'animation meilleurs que le voyage de Chihiro à tous points de vue

Comme le premier Studio Ghibli film pour remporter un Oscar Hayao Miyazaki Le voyage de Chihiro est considéré comme un chef-d’œuvre cinématographique à tous égards. Même aujourd’hui, le film continue de recevoir des éloges et des éloges pour sa qualité. Agissant comme une porte d’entrée du Japon pour le public occidental, le film de Miyazaki a effectivement défini le potentiel artistique du médium pour toute une génération.

Cependant, l'anime est devenu bien plus important depuis les débuts du film en 2001 et le respect inébranlable qu'il suscite est devenu une contrainte étouffante lorsqu'on examine l'évolution technique et narrative d'œuvres similaires dans ce médium à cette époque. Comparé à Le voyage de Chihiro ces films sont tout aussi impressionnants.

8 Actrice du millénaire (2001)

Actrice du millénaire réalisé par Satoshi Kon est un film rétrospectif qui invite le spectateur à s'interroger sur la mémoire identitaire et la fusion de la vie et de l'art. Librement basée sur la vie des actrices réelles Setsuko Hara, l'histoire démarre avec des documentaristes interviewant Chiyoko Fujiwara, une actrice bien-aimée et populaire, alors qu'elle ferme les rideaux de sa carrière d'actrice.

Mais l’interview prend rapidement une tournure inquiétante. Plutôt que de simplement poser des questions, les intervieweurs finissent par se plonger dans ses souvenirs, presque en les vivant à ses côtés. À travers l’histoire, Kon transforme la mémoire en une expérience vivante et évolutive traversant différentes décennies et genres sans perdre un instant. L’animation sert avec précision le noyau émotionnel de l’histoire.

Chaque transition entre les périodes se déroule facilement et emmène les spectateurs à travers l'histoire du cinéma japonais tout en explorant les thèmes de l'amour et de la perte. Là où Spirited Away offre une merveille d'évasion Actrice du millénaire livre quelque chose de plus introspectif et mélancolique. La méditation du film sur la façon dont nous façonnons les histoires s’avère plus sophistiquée que n’importe quelle simple aventure fantastique.

7 Fantôme dans la coquille (1995)

Mamoru Oshii Fantôme dans la coquille a changé la perception des gens sur le genre cyberpunk comme une œuvre d'animation inspirant toute une vague de cinéastes influencés par le film épique. Se déroulant dans la nouvelle ville portuaire fictive, l'histoire centrale tourne autour du major Motoko Kusanagi, un agent cyborg poursuivant le mystérieux pirate informatique connu sous le nom de Puppet Master.

En enquêtant sur l'affaire, elle commence à se demander ce qui rend une personne véritablement humaine. Dans un monde où la technologie peut échanger des souvenirs, des corps et même des émotions, où est alors la frontière entre l'humain et la machine ? Visuellement, le film a l'air aussi sérieux que n'importe quelle science-fiction classique, avec une atmosphère maussade et un rythme qui permettent aux grandes idées de vraiment atterrir.

Où Le voyage de Chihiro c'est grandir et se retrouver grâce à la magie Fantôme dans la coquille pose des questions difficiles au public sur la technologie et l’avenir de l’humanité. C’est donc précisément la fermeté de ses intentions qui a scellé son héritage révolutionnaire.

6 Princesse Mononoké (1997)

Princesse Mononoké Le film épique sans doute le plus mature de Miyazaki est sorti auparavant Le voyage de Chihiro . Se déroulant dans la période Muromachi au Japon, l'histoire suit le prince Emishi Ashitaka qui se retrouve au centre de la lutte croissante entre les dieux de la forêt et les humains d'Iron Town.

Plutôt que de détailler le « bien contre le mal » typique, l’histoire dépeint tous les côtés avec la même nuance et la même profondeur morale. Lady Eboshi, dépeinte comme l'ennemie, s'avère être une leader aimante qui veut seulement protéger son peuple marginalisé. Les esprits des bois, bien que magnifiques, s'avèrent durs et impitoyables. Comparé à Le Voyage de Chihiro Princesse Mononoké se sent plus profond.

Les questions liées à l'industrialisation et à la coexistence sont pertinentes et modernes et les conflits ont une importance émotionnelle. Plus important encore, le film refuse de proposer des remèdes simples. Il s'agit de l'une des meilleures œuvres de toute l'œuvre de Miyazaki en raison de sa volonté d'accepter l'ambiguïté morale et de décrire honnêtement la lutte environnementale à laquelle le monde est actuellement confronté.

5 La fin d'Evangelion (1997)

L'un des films d'animation les plus audacieux et les plus étranges jamais réalisés est La fin d'Evangelion . Le film qui fonctionne comme une fin différente pour le Néon Genesis Evangelion La série utilise Shinji Ikari, le personnage principal, pour montrer comment le monde et l'esprit humain s'effondrent.

L'histoire établit un équilibre entre des scènes psychologiques troublantes qui explorent la solitude traumatisante et la peur de la proximité émotionnelle et de l'action mecha angoissante. Peu d’œuvres cherchent à pousser l’animation sur un terrain étrange et métaphorique comme le fait le film. Plutôt que d’offrir du réconfort aux téléspectateurs, cela leur présente des défis illimités.

Spirited Away utilise l'empathie et le développement personnel pour résoudre ses conflits. Toujours La fin d'Evangelio n présente les effets du désespoir et de l’évasion aux spectateurs d’une manière qui force la réflexion. En fin de compte, l’impact du film s’étend au-delà du genre mecha et s’étend à des conversations cinématographiques plus larges, laissant un héritage durable.

4 Le Tombeau des lucioles (1988)

Réalisé par Isao Takahata Tombe des lucioles reste celui du Studio Ghibli l’œuvre la plus horrible et la plus acclamée. Se déroulant pendant la guerre du Pacifique, l'histoire raconte la vie déchirante de deux frères et sœurs, Seita et Setsuko, alors qu'ils s'efforcent de survivre dans les derniers mois de la Seconde Guerre mondiale.

Ce qui se déroule est une histoire solide, simple et brutalement honnête, qui capture la sombre réalité de la guerre et de ses conséquences. Il n'y a pas d'évasion mystique fantastique ni de personnages d'un autre monde ; juste un film décrivant le coût humain de la guerre avec une précision horrible que seuls quelques films d'action réelle peuvent égaler.

De la musique à la caractérisation et surtout aux visuels, le chef-d’œuvre de Takahata propose une exploration poignante du chagrin et un rappel qui donne à réfléchir sur la fragilité de l’innocence. Alors que Le voyage de Chihiro offre l'enchantement et la guérison émotionnelle le pouvoir de Tombe des lucioles découle de sa compassion pour la réalité et de son refus d’édulcorer les vérités qu’il expose.

3 Bleu parfait (1997)

Bleu parfait a marqué les débuts de Satoshi Kon en tant que réalisateur et est arrivé avec une force qui a élargi la perception de la capacité de l'animation. L'histoire tourne autour du personnage central Mima Kirigoe, une ancienne idole de la pop qui décide de se lancer dans le métier d'acteur. À mesure que son image publique change, elle se retrouve empêtrée dans un effondrement psychologique qui brouille la frontière entre les médias sociaux et la réalité.

Hantée par le sosie spectral de son personnage d'idole, ce qui s'ensuit pour Mima est une spirale désorientante vers la folie qui vous oblige à réfléchir sur votre identité à ses côtés. Contrairement à Le voyage de Chihiro Bleu parfait délivre un temps classe de maître psychologique qui offre un premier aperçu de l’héritage cinématographique de Satoshi Kon.

Utilisant le montage comme une arme, le film raconte une histoire discordante qui sert également de critique prophétique de l’ère d’Internet et des relations parasociales toxiques qu’elle encourage et qui sont désormais très répandues à l’époque moderne. Plutôt que de dorloter ses spectateurs avec des éléments magiques et fantaisistes, il exige un engagement actif du début à la fin.

2 Une voix silencieuse (2016)

Une voix silencieuse propose une approche profondément humaine de sa narration. Réalisé par Naoko Yamada, le film raconte une histoire de passage à l'âge adulte centrée sur le couple Shoya Ishida et Shoko Nishimiya. Leur relation est née d'un cycle d'intimidation impitoyable au collège dirigé par Shoya contre la sourde Shoko, qui l'a finalement éloignée de l'école.

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Des années plus tard, Shoya, un paria social aux prises avec les conséquences de sa vilaine réputation et écrasé par la culpabilité de son passé, tente de se racheter en recherchant sa victime. C'est leur voyage étrangement beau vers la réconciliation que le film raconte en détail. présentant une attitude profondément empathique étude de l'anxiété de culpabilité et des dommages durables causés par la cruauté infantile.

Contrairement à Le voyage de Chihiro qui utilise un environnement magique pour amener son protagoniste vers la maturité Une voix silencieuse est ancré dans des expériences réelles qui plongent profondément dans la complexité interne des défauts humains. Dans l’ensemble, l’authenticité émotionnelle et la maturité thématique du film semblent plus profondément résonnantes que l’aventure spirituelle de Chihiro.

1 Akira (1988)

Du point de vue de l'héritage Akira est sans doute le film d’animation le plus percutant jamais réalisé. Le réalisateur Katsuhiro Otomo a adapté son propre manga en une épopée cyberpunk qui a non seulement remodelé les perceptions mondiales de l'anime, mais a également brisé la barrière séparant les médias d'animation japonais de l'Occident.

Enregistré à Neo Tokyo, une métropole dystopique, le récit suit le chef d'un gang de motards Shotaro Kaneda dont la vie de délinquant s'effondre lorsque son meilleur ami Tetsuo Shima s'écrase dans une expérience gouvernementale secrète. La conséquence est le réveil des capacités psychiques dévastatrices de ce dernier qui menace de réduire à nouveau la ville en un tas de décombres.

Comparé à Le voyage de Chihiro celui d'Akira sa valeur supérieure réside dans sa maîtrise technique révolutionnaire et son influence mondiale sans précédent. Malgré sa première sortie il y a plus de trente ans, en 1988, la fréquence d'images légendaire du film et son utilisation ingénieuse de techniques d'animation prénumériques ont établi une référence mondiale extraordinaire en matière d'animation. Un précédent qui est depuis devenu un ADN probant dans l’ensemble du pays. médias modernes de science-fiction et de cyberpunk .